After beeing forgotten and empty for decades, Korean traditional houses are gaining more and more value and enthusiasm from the local population. Some renowned areas like the Bukchon Village have already been renovated by the City of Seoul as symbol of the preservation of the Joseon era heritage, but nowadays, individuals are undertaking personal renovation projects in more unexplored parts of the city. Curious about those innovative personal projects, Eloquence met three local creatives who decided to give new life to those graceful and elegant pieces of architecture, reflecting Korean cultural traditions and social values.

Editor: Sophie Haeri Park
Photographer: Hasisi Park

사람들에게서 잊힌 채 수십 년간 비어 있던 한국의 전통 한옥이 점점 그 가치를 인정받아 큰 인기를 얻고 있다. 북촌한옥마을과 같은 유명한 곳에는 이미 서울시의 주도로 조선시대 문화유산을 보호하자는 취지의 보수 작업이 이루어졌다. 요즘에는 개인이 직접 나서 서울의 비교적 잘 알려지지 않은 구역을 대상으로 보수 작업을 추진하고 있다. 엘로퀀스는 우아하고 품위 있는 전통 가옥에 새로운 생명을 불어넣은 세 명의 아티스트를 만났다. 이들이 추진한 보수 프로젝트를 살펴보고 한국의 문화적 전통과 사회적 가치를 고찰해보고자 한다.
 
 

Sikmul
Louis Park (Art Director)
46-1, Donhwamun-ro 11-Da-gil, Jongro-gu, Seoul, Korea
+82 (0)2-747-4854

Opened on October 17, Sikmul is a multi-purpose creative space founded by fashion photographer and art director Louis Park in undisclosed Jongno-gu Iksun-dong, Seoul.

10월 17일에 문을 연 ‘식물’은 패션 사진작가이자 아트 디렉터인 루이스 박이 잘 알려지지 않은 종로구 인식동에 만든 다목적 창작 공간이다.
 
 

WHAT?
Sikmul is an open creative space that comprises a café and bar, three workrooms people can rent and one ‘atelier’ owned by my friend who is a fashion designer. I wanted to create a place where creative people and friends can gather, work and play. We are serving delicious hand drip coffee during the day and wine, gin and whisky after hours. We are also doing showcases and exhibitions. The last one was a showcase of my friend’s select shop SHATO on November 15. I choose the name Sikmul (“plant” in Korean), because it is representative for the things I like: nature, plants and women. That’s right, I see women as beautiful flowers I have to take care of. (laughs)

‘식물’은 카페와 술집, 대여 가능한 세 개의 작업실, 패션 디자이너인 내 친구가 운영하는 작업실로 이루어진 개방형 창작 공간이다. 창의적인 사람들과 친구들이 모여서 일도 하고 놀기도 하는 공간을 만들고 싶었다. 낮에는 맛있는 핸드드립 커피를 팔고 그 이후 시간에는 와인, 진, 위스키를 판다. 공개 행사와 전시회도 연다. 내 친구의 셀렉트숍 ‘샤토’의 개점 기념 공개 행사가 11월 15일에 있었다. ‘식물(한글을 영어로 음차)’ 은 자연, 식물, 여자 등 내가 좋아하는 것들을 대표하는 이름이라서 골랐다. 그렇다. 나는 여자를 내가 돌보는 아름다운 꽃으로 본다.(웃음)
 
 

HOW?
I kept looking for a proper hanok-style house I could rent in this area. After careful research, I found that those four units were empty and I immediately thought I can do something with them. I asked all the owners (the four hanoks have different owners) if I could rent them and do renovations, if I could break down the walls and bring together the four houses and well, surprisingly they all accepted. It took three months to finish the restoration and renovation work, and it has just opened last October. In terms of architecture, we decided to break down walls and ceilings in order to give more volume to the space. We used the original tiles to recreate new walls. The three workrooms have been preserved as they were, small and low. The café part is open towards the street, so people can feel the atmosphere of the quarter and communicate with people living in this area. The main façade is covered with a plastic wall but we preserved the original wall behind it and by night, you can see there are two walls.

이 지역에서 임대받을 수 있는 적당한 전통 가옥을 찾고 있었다. 꼼꼼히 조사한 끝에 비어 있던 네 채의 가옥을 찾았고 그 즉시 이들을 이용해 뭔가를 할 수 있겠다고 생각했다. 건물주들(네 가옥의 소유주가 다 다름) 에게 임대를 받아 보수를 해도 되는지, 벽을 허물고 네 집을 하나로 만들어도 되는지 물었다. 놀랍게도 모두가 승낙했다. 3개월간 복구 작업과 보수 작업을 한 끝에 10월에 문을 열었다. 벽과 천장을 허물어 공간을 더 넓게 만들었고, 원래 있던 타일을 사용하여 새로운 벽면을 만들었다. 세 개의 작업실은 원래 있던 모습 그대로 작고 천장이 낮은 형태를 유지했다. 카페는 거리 쪽을 향해 열려 있다. 사람들이 이 공간의 분위기를 느끼고 이 지역에 사는 사람들과 소통을 했으면 하는 바람에서 그렇게 만들었다. 메인 벽면은 플라스틱으로 덮었는데 그 뒤에 원래 벽을 보존해 두었기 때문에 밤이 되면 두 벽면을 볼 수 있다.
 
 

WHY?
I wanted to create a place where spaces, people and activities can be connected. I decide to take over four small hanok-style houses and to gather them together by breaking down the walls. Also, I choose this part of the city, because it is not popular yet and even locals don’t know about this old quarter. I knew this area fifteen years ago, but I lived in London for more than ten years, and when I came back to Korea, I rediscovered Iksun-dong. I totally felt that I should one day do something in this unknown part of the city. As you know, Seoul is crowded and people are looking for unknown quarters to live, work or gather at, so I thought this area could become one of the more dynamic and creative places in the near future.

공간, 사람, 활동이 모두 연결되는 장소를 만들고 싶었다. 벽을 허물어 네 채의 전통 가옥을 하나로 만들어야겠다고 생각했다. 이 지역을 고른 이유는 아직 알려지지 않았고 지역 주민들조차 이 오래된 가옥의 존재를 모르기 때문이었다. 이 지역에 대해 안 건 15년 전이었지만, 10년 이상을 런던에서 살았다. 한국에 돌아왔을 때 익선동을 재발견했다. 언젠가는 서울에서 알려지지 않은 이 지역에서 무언가를 해야겠다는 생각이 강하게 들었다. 아시다시피 서울은 인구가 밀집되어 있기 때문에 사람들은 알려지지 않은 공간을 찾아 그곳에서 살고 일하고 모이고 싶어 한다. 그래서 곧 이 지역이 더 역동적이면서 독창적인 공간이 될 수 있겠다고 생각했다.
 
 

MarcMare
D. & Harim (Artist & Designer)
79-2 Okin-dong, Jongro-gu, Seoul, Korea

Newlyweds artist D. Kim and designer Harim Kim decided to live and work in a small newly renovated hanok in the center of Seoul.

갓 결혼한 아티스트 김동욱과 디자이너 김하림은 서울의 중심에 위치한 작지만 새롭게 보수공사를 마친 한옥에 살며 일하고 있다.
 
 

WHAT?
This space is not only our newly-wed place, it is also our creative space. Since both of those aspects are covered in one, we don’t go out much anymore. (laughs) We both work here, invite our friends over a lot, and since we both like reading so much, we tend to sit on the floor of the main room and do nothing. The yard has no roof, so it offers another great opportunity to do nothing. In the front, the shop offers ceramics, hand-stitched bags and diverse other items from our design brand MarcMare.

이 공간은 우리의 신혼집이기도 하고 우리의 크리에이티브 공간이기도 하다. 주택과 사업 공간으로 나뉘어 있어 자주 안 나가게 되는 것 같다.(웃음) 그리고 작업실에 친구들이 자주 모이기도 하고, 책을 좋아해서 그냥 거실에 앉아 하늘을 보며 멍 때리기도 좋아한다. 앞은 하림의 디자인 브랜드인 마크마레 숍으로, 도자기, 손바느질로 만든 가방 등 여러 가지 제품을 전시하고 판매하고 있다.
 
 

HOW?
D. Kim: At first, I thought this hanok-style house was the worst. It was the worst until I talked to my close friend Dong-wook Lee, who’s an architect, and master builder In-bum Hwang, who’s quite famous, about how to renovate it. That’s how the project came together. We thought it would be a too small job for the master builder to get on board, but luckily enough he was free at that time and, well, he agreed. My friend and his team never worked with hanok-style architecture, while for the builder team it was all they ever worked with. Together they made this entire thing happen. Originally, we had planned to reform the space into two parts with a residential bit that would fit our everyday life. And since we just got married, keeping the costs low was another important factor.

김동욱: 이 한옥은 처음에는 완전 ‘최악’이었다. 그래도 건축가인 친한 친구 이동욱과 도편수 황인범 님에게 리노베이션을 부탁했고, 이 조그마한 프로젝트를 시작하게되었다. 도편수 황인범 님은 유명한 분이시라, 우리 집처럼 작은 프로젝트는 안 하실 줄 알았는데, 운 좋게 그때 쉬고 계셔서 맡아 주시겠다고 했다. 건축가 친구 팀은 그런 식의 한옥을 만져 본 적 없는 팀인 반면, 도편수는 한옥을 전문으로 하는 팀이었는데 둘이 이 집을 협업 프로젝트 식으로 잘 만들어 주었다. 원래 컨셉은 기존 한옥 공간을 상가와 주택으로 나누고, 주택 공간을 생활에 용이하게 재구성함으로써 작고 효율적인 도시 주택을 구축하는 것이었다. 게다가 신혼부부이니 최대한 효율적인 예산 안에서 재생하기로 했다.
 
 

WHY?
Harim Kim: I used to live in this area. And I always liked it, so after we got married, we thought about getting a place here. We searched for a small place that provide us with space to work and space to live in. For about three months we went from one real estate office to another. There weren’t many two-story places that met our budget, and then this house came across. We thought it would be big enough for the two of us if we snickered a little, and so we decided to take it.

김하림: 내가 원래 이쪽 동네에 살았다. 동네가 좋고 한적하니까 결혼 후에도 이 동네에 집을 얻으려고 했다. 그래서 이렇게 조그마한 상업 공간과 주거 공간을 겸한 곳을 찾아봤다. 약 3개월간 매주 부동산을 돌아다녔다. 쪼개서 쓸 수 있을 것 같았고 우리 둘에겐 그렇게 큰 공간이 필요 없으니 이 집으로 결정했다.
 
 

Goi House
Jung Jina (Curator & Freelancer)
13-12, Bukchon-ro 11-gil, Jongro-gu, Seoul
+82 (0)70–4116–8683
info@goiseoul.kr
goiseoul.kr

Goi House is a single-unit guesthouse located in the Bukchon traditional village in the heart of Seoul. By combining the traditional architecture of a hanok with elements of Korean contemporary art and culture, Goi offers a quiet and relaxing space for guests traveling through the Korean capital.

고이 하우스는 서울 한복판에 있는 북촌 지역에서 방 하나만을 운영하고 있는 게스트 하우스이다. 한옥의 전통적인 건축 양식에 현대적인 예술과 문화의 요소들을 덧댄 고이 하우스는 한국의 수도를 여행하는 사람들을 위해 조용하면서 편안한 공간을 제공한다.
 
 

WHAT?
The initial definition of this place was to be a Seoul house for a Seoul resident. I wanted to modernize the historic tradition that derives from the past. That’s why I paid a lot of attention to local furniture and interior items, and except for electronic devices I tried to introduce hand-made or designer goods. It’s not one hundred percent so, but I like searching very long for the right kind of paper, or the cotton that is used for the inside of the blanket is from an old domestic wool place. It’s a little bit of a trend these days, but people started to revalue our history. Especially, people of my age show a stronger interest today. That’s how I researched and renovated this house. So, one could think of the Goi House as an accommodation for people who are interested in the Korean culture.

이 집의 초반 개념은 서울 사람의 서울집이다. 과거부터 지금까지 역사적인 전통을 현대화하고 싶었다. 그래서 가구도 집기류도 전자제품을 제외하면 모두 국산 제품이나 지역 특산품, 아니면 공예가나 디자이너 제품을 소개하려고 애썼다. 100퍼센트 그렇지는 않아도 그렇게 하려고 종이 하나까지도 많이 찾아다녔다. 이불도 천연 목화솜이라고 한국에서 오랫동안 사용한 솜이다. 지금 한국의 트렌드이기도 하지만, 우리의 근대사에 대해 더 주의 깊게 가치를 부여하고 더 많이 알아보자는, 내 또래만의 사명감 같은 것이 있는 듯하다. 그래서 나도 많이 돌아다니고 많이 알아보고 그렇게 많이 배우면서 이 집을 준비했다. 그래서 ‘고이’는 한국 문화에 대한 이해나 관심이 있는 이들을 위한 숙소라고 생각하면 될 것 같다.
 
 

HOW?
If there has been a lack of time for the country to physically or historically make a cut, what does an authentic Seoul house look like? That’s the question my friends and the team who did the interior (Grab Studio) had in mind when selecting household furniture and interior items. This hanok house was built in 2004, and for ten years there have been no changes to the inside. Doing the interior, I ate, sat down, whereas I was used to eating standing straight. So the flow of things and the lower view were something I thought might be uncomfortable, and I tried to match everything so that the space seemed larger.

한국에 물리적, 또는 역사적으로 전통이 단절된 시간이 없었다면 현재 서울 사람들의 집은 어떤 모습일까? 지금 그 고민으로 인테리어를 하는 친구들이 그라브라는 스튜디오와 함께 인테리어부터 집기류까지 모두 준비해 주었다. 이 집은 2004년에 신축된 한옥인데 10년 동안 내부 공사를 한 번도 하지 않았다. 인테리어를 하면서 좌식생활을 기본으로 했는데 입식 생활에 익숙하다 보니까 갑자기 동선이나 시선이 확 낮아지고 생활의 불편함이 있을 수 있으니 그런 요소를 고려해서 공간이 좀 넓어 보이게 효율적으로 맞추었다.
 
 

WHY?
I used to live abroad quite a lot. I was situated in France, Canada and Australia. Naturally, I made a lot of friends and whenever one of them came to visit me I felt a sense of inconvenience. Instead of just a hotel, I wanted to show them a traditional Korean home. That’s how this project first came about. I used to live around here a long time ago. I grew very fond of this neighborhood and I thought it would be great to host my friends in a hanok-style house. It took a while to find this spot, I think I looked at around forty different places in two months.

해외에서 오래 산 편이다. 프랑스, 캐나다, 호주 등. 그래서 자연히 친구가 많고 그들이 집에 놀러 올 일도 많았는데, 그때마다 항상 약간 아쉬웠다. 평범하게 호텔을 소개한다거나 하는 식을 고민하다가 한국의 전통 집을 보여 주면 좋겠다라고 생각하게 되었다. 그 실현을 준비한 것이다. 예전에 근처에 산 적이 있다. 이 동네도 무척 좋아하고, 한옥을 보여 주면 좋겠다는 생각에 열심히 찾았다. 약 두 달간 약 40채 정도 집을 본 것 같다.
 
 

We often label things we think of as special or rare as art. Some people describe a woman’s body as art, while others use it on breathtaking nature. Often a sumptuous meal can be described as art, too. That’s why art, even though it seems so close, is often farther away in everyday life. And yet, there is one person who disagrees, whose everyday life is actually close to art. For him, things like plastic bottle caps and baskets, banners and waxed cloths, vinyl bags and rubber balloons are all art. To introduce him I would like to quote from a poem by Choon-su Kim.

“Before he acknowledged its existence,
plastic to him was no more than the
material cheap objects were made of.

After he acknowledged its existence,
plastic to him had become
the beautiful flower that is called art.”

Meet artist Jeong-hwa Choi.

Editor: Dani Daeun Kim
Image Courtesy: Jeong-hwa Choi

森, 321 Art Community Project, Tainan, Taiwan 2013

Welcome, Venue Design for World Biennale Forum, Gwangju, Korea, 2012

Congratulation!, Changwon city hall, Changwon, Korea, 2007

우리는 특별한 순간이나 보기 드문 것에 종종 예술이라는 이름표를 달아 준다. 어떤 이는 여자의 몸매를 보고 예술이라 하고, 어떤 이는 광활한 자연과 맞닥뜨렸을 때 예술이라 감탄한다. 잘 차려진 진수성찬이 예술일 때도 있다. 그래서 예술은 가까이 있는 것 같으면서도 일상과는 멀리 있는 존재처럼 느껴지곤 한다. 그러나 일상이 예술이기에 예술은 결코 저 멀리 있지 않다고 강력하게 주장하는 한 사람이 있다. 그에게는 우리가 흔히 보는 병뚜껑과 플라스틱 소쿠리가, 현수막과 방수천이, 비닐과 고무풍선이, 모든 게 다 예술이다. 그를 소개하기에 앞서 감히 김춘수의 시를 모방해 보겠다.

“그가 플라스틱의 존재를 알아주기 전까지
플라스틱은 다만
싸구려 물건에 지나지 않았다.

그가 플라스틱의 존재를 알아주었을 때
플라스틱은 그에게로 와서
예술이라는 꽃이 되었다.”

그는 예술가 최정화다.

Breathing flower, San francisco, USA, 2012

Alchemy, The Mother of Design, Marunouchi House, Tokyo, Japan, 2012

Beautiful, Beautiful life!, TINA B project in San Salvatore, Prague, Czech Republic, 2012. Photo © Martin Stank

choijeonghwa.com
 
 

Ed Templeton: Wayward Cognitions

Published by Um Yeah Press
Text by Stijn Huijt
Release Date: Nov 2014
60 Pages/ 8 × 10.75 in
Format: Hardcover
Price: $ 45 US
Distribution: D.A.P. EXCLUSIVE

© Ed Templeton

Wayward Cognitions is a collection of photographs by legendary skater and photographer Ed Templeton, chosen from his archives spanning over twenty years. For this volume, Templeton selected works that do not fit into his usual manner of organizing by theme or subject. In past publications, he has arranged his work in straight-forward groupings such as Teenage Kissers, Teenage Smokers, or photographs shot from a moving car (as in his book The Seconds Pass).

In Deformer he presented the photographs under the theme of suburbia. Wayward Cognitions represents the in-between moments that arise when shooting in the streets without theme or subject. “It’s about looking, people watching, finding pleasure in the visual vignettes we glimpse each day,” says Templeton. When those moments are removed from the context in which they were shot, dynamic stories can be told or imagined in book form.

The photographs in Wayward Cognitions were printed by Templeton in his darkroom; he then created the layout and design himself, building the book from scratch in his home studio.

© Ed Templeton

‘Wayward Cognitions’는 전설적인 스케이트 보더이자 사진가인 에드 템플턴이 20여 년에 걸친 자신의 아카이브에서 선별한 사진 컬렉션이다. 이 컬렉션에서 템플턴은 흔히 사진을 분류하는 테마나 주제의 범주에 들어맞지 않는 작품들을 선택했다. 지금껏 그는 ‘Teenage Kissers’ 이나 ‘Teenage Smokers’, 또는 (그의 저서 ‘The Second Pass’에서처럼) 움직이는 차 안에서 찍은 사진 등 직설적인 기준으로 자신의 사진을 분류해 왔다.

‘Deformer’에서 교외 생활을 테마로 한 사진들을 만날 수 있었다면 ‘Wayward Cognitions’는 특정 테마나 주제 없이 거리에서 셔터를 누를 때 마주하는 순간들을 보여 준다. 저자는 “이 컬렉션은 바라보기, 사람 관찰, 우리가 매일 스쳐 지나가는 시각적 단편에서 즐거움 찾기에 관한 것이다.”라고 말한다. 그러한 순간들이 촬영된 맥락에서 벗어나 책에 닮길 때 역동적인 이야기들이 만들어지고 상상되기도 한다.

템플턴은 컬렉션 사진의 암실 인화부터 레이아웃 및 디자인까지 모든 과정을 그의 집에 있는 스튜디오에서 직접 작업했다. 는 지난 10월 31일에 출간했다.

umyeaharts.com
 
 

From Hello, I am Erik © Gestalten 2014

Editor: Johannes Erler
Release Date: August 2014
Size: 22 × 28 cm
Features: Full color, hardcover, 320 pages
Price: € 45 (D)/ £ 40 / $ 60

From Hello, I am Erik © Gestalten 2014

From Hello, I am Erik © Gestalten 2014

Hello, I am Erik is the first-ever visual biography of Erik Spiekermann’s work, one of the best-known typographers and graphic designers in the world. The book documents his projects, traces milestones in his life, and offers his personal perspectives on design. Spiekermann also represents German typeface and corporate design like no other. With his design of guidance systems for the Berliner Vekehrsbetriebe (Berlin’s transportation authority) and Düsseldorf Airport as well as his typeface design for Deutsche Bahn (Germany’s national rail system), Spiekermann made sure that not only Germans could better find their way around.

With his corporate identities for brands such as Audi, Volkswagen, and Bosch, he also helped establish a sensibility for corporate design in Germany. Yet Spiekermann has also always worked internationally. He is, to name but one example, responsible for the redesign of the magazine the Economist. The founder of MetaDesign, FontShop, and EdenSpiekermann has been a successful entrepreneur and impulse generator for decades. When Erik Spiekermann founded FontShop International with his wife Joan and Neville Brody, he helped establish the internet as a source for buying fonts. His typefaces FF Meta and ITC Officina have been bestsellers for years and are already considered modern classics by typographers worldwide.

Spiekermann now likes to comment on current developments in the world of design via Twitter, where he has more than 250,000 followers. In 2011, he received the German Design Award for lifetime achievement.

Erik Spiekermann designed the Real typeface specifically for use in this book. Each copy includes the regular weight of this font for free.

From Hello, I am Erik © Gestalten 2014

이번에 출간된 에릭을 소개할게는 폰트 거장 에릭 슈피커만의 삶과 작품을 다룬 첫 번째 시각적 전기이자 연구서이다. 슈피커만은 세계적으로 유명한 타이포그래퍼이며 그래픽 디자이너이다. 이 책은 그가 진행했던 프로젝트들을 기록하고, 중요한 궤적들을 좇으며 디자인에 관한 그의 신념을 보여준다. 슈피커만은 독일의 활자디자인 및 기업디자인을 대변하는 독보적인 존재이다. 독일의 철도회사인 도이치반의 전용글자체뿐만 아니라, 베를린 교통국과 뒤셀도르프 공항의 인포메이션 시스템을 디자인하면서, 길 찾는 데에 독일인을 따를 자가 없다는 사실을 증명했다.

그는 또한 아우디, 폭스바겐, 보쉬와 같은 브랜드들의 기업 정체성 확립에 일조함과 동시에 독일 내 기업 디자인에서 예술적 감성의 중요성을 확립시켰다. 하지만 그는 독일에서뿐만 아니라 세계적인 커리어를 쌓아왔는데, 그 중 한 가지로 영국의 경제 매거진인 이코노미스트의 디자인을 재정비하기도 했다. 독일 최대의 디자인회사인 메타디자인(MetaDesign)과, 폰트를 제작하고 배포하는 회사인 폰트샵(FontShop), 그리고 암스테르담, 베를린, 런던, 샌프란시스코 등에서 활동하는 디자인 그룹인 에덴슈피커만 (EdenSpiekermann)의 설립자인 슈피커만은 성공적인 기업인이자, 고정관념을 깨뜨리는 창조적 디자인으로 수많은 이목을 집중시켜왔다. 당시 아내였던 조안(Joan) 그리고 네빌 브로디 (Neville Brody)와 함께 그가 폰트샵 인터내셔널을 설립하면서 인터넷을 이용하여 폰트를 구입할 수 있는 통로를 개척하기도 했다. 그가 만든 활자체인 FF 메타와 ITC오피시나는 수년 동안 최고의 인기를 누렸고, 이미 전세계 타이포그래퍼들 사이에서 모던 클래식으로 통한다.

슈피커만은 트위터를 통해 디자인계의 최근 동향에 대한 논평을 전하고, 25만명이 넘는 팔로어들을 보유한 ‘파워 트리터리안’이기도 하다. 2011년 그는 활자디자인 분야에서 쌓아온 업적으로 독일 디자인 어워드를 수상했다.

에릭 슈피커만은 특별히 이번 자서전을 위해 ‘리얼(the Real)’타입페이스를 디자인했는데, 도서구매자에게 레귤러 두께의 리얼 폰트를 무료로 제공한다.

shop.gestalten.com
 
 

장소:온그라운드 갤러리 (서울시 종로구 창성동 122-11), 보안여관 (서울시 종로구 통의동 2-1), 커먼빌딩 4층 (서울시 종로구 창성동 122-12)
기간:2014. 12. 29~2015. 1.31 ( 오후 12시 – 저녁 7시, 매주 월요일 휴관)
오프닝 파티:2014. 12. 29 저녁 6시 / ‘Background’ (온그라운드 갤러리 옆마당 )
오프닝 프로그램:Eloquence X 이동욱(IVAAIU City Planning) X 목연포차 X 푸드랩 X 나팔꽃
전시기획 및 디자인: 바운더리리스 뮤지엄, 김희정, 홍박사
주최:젊은건축가포럼코리아
후원:한국문화예술위원회, (주)원도시건축, 조병수건축연구소, C&O 건설, 온그라운드 갤러리, 보안여관, SCALe
협찬:주성건축, 한솔제지
미디어 파트너:엘로퀀스

젊은 건축가 40여명의 도시 비전 제안
젊은건축가포럼코리아, <어반 매니페스토 2024/Urban Manifesto 2024>전 개최

젊은건축가포럼코리아는 2014년 12월 29일부터 2015년 1월 31일까지 젊은 건축가 40여명의 도시에 대한 생각과 건축 작업에 담긴 태도를 살펴보는 <어반 매니페스토 2024>전을 개최한다. 이번 전시는 지난 3년간 젊은건축가포럼의 ‘컨퍼런스 파티’를 통해 발표한 작업들을 아카이빙하고 근 미래 도시에 대한 젊은 건축가들의 비전을 공유하기 위한 목적으로 마련되었다. 서촌에 위치한 온그라운드 갤러리, 보안여관, 커먼빌딩 3곳에서 진행되는 이번 전시는 도심의 일상 풍경과 함께 그 동네가 품고 있는 도시 조직에 은밀히 스며들도록 계획되었다.

아카이브와 포럼이 결합된 새로운 형식의 이번 전시는 전시 장소에 따라 크게 3가지 프로그램으로 구성된다. 먼저 온그라운드 갤러리에서는 건축일상, 공공주거, 에코건축, 건축확장, POP, 일렉트로닉, 융합, FUN, 동네를 주제로 진행한 지난 3년간의 컨퍼런스 파티 기록들을 ‘건축일상’, ‘건축확장’, ‘건축유희’, ‘협업건축’이라는 주제로 재구성하였다. 또한 1960년대부터 현재까지 우리나라 젊은 건축가들의 궤적을 연도별로 살펴보는 그래픽 작업을 전시 도입부에 선보여 세대별 젊은 건축가들의 활동과 가치 변화를 추적한다. 보안여관에서는 입면의 커미션 워크를 비롯해 아카이브에 담긴 생각들을 토대로 삼아 2024년 서울의 미래를 고민하는 젊은 건축가들의 제안들이 영상, 이미지, 텍스트로 펼쳐진다. 커먼빌딩 4층은 참여작가 소개와 젊은 건축가들에 대한 스크랩 자료들을 살펴볼 수 있는 라운지 공간으로, 이곳에서는 1월 한 달간 4차례 목요일마다 전시 주제와 관련하여 젊은 건축가, 중진 건축가, 문화예술계 인사들이 함께 하는 토크 프로그램이 마련된다. 한편 1월 24일 토요일에는 선배 건축가와 함께 하는 특별 대담 프로그램이 진행될 예정이다.

<어반 매니페스토 2024>전은 동시대 건축가들이 우리 도시와 사회에 제안하는 ‘실현가능한 선언’들에 대한 실천적 공약으로, 더 좋은 동네와 도시를 만드는데 기여하는 전시가 될 것이다. 한편 이번 전시의 기록들은 전시 도록과 더불어 향후 젊은 건축가들을 소개하는 단행본(엘로퀀스 발간 예정)으로 출간될 계획이다.

참여작가
강예린+이치훈, 고기웅, 곽상준+이소정, 구승회, 국형걸, 권형표+김순주, 김광수, 김기중, 김민석+박현진, 김정주, 김찬중, 김창균, 나은중+유소래, 노은주, 박호현, 서승모, 성상우, 신창훈, 양수인, 염상훈, 오상훈, 우준승, 윤재민, 윤태권, 이강준+김영아, 이소진, 이재준, 이정훈, 임윤택, 전숙희+장영철, 정의엽, 조성욱, 조재원, 최성희+ Laurent Pereira, 최춘웅, 하태석, Daniel Valle, Jennifer Lee+ Pablo Castro, Simone Carena

12-14 김찬중_아트폴리 큐브릭 (김용관 사진)

고기웅_신사5611 (신경섭 사진)

국형걸_Tectonic Landscape (신경섭 사진)

서승모_C housing

이재준_네덜란드에서 온 새로운 메시지 展 (신경섭 사진)

이정훈_헤르마 주차빌딩

임태병_어쩌다 가게

하태석_씬디

youngarchitectsforum.or.kr

젊은건축가포럼코리아 <어반 매니페스토 2024/Urban Manifesto 2024>

옥상토크 | Rooftop Talk

관객과 참여작가들의 만남을 위한 라운지 공간에서 젊은 건축가, 중진 건축가, 문화예술계 인사들이 건축일상, 건축확장, 건축유희, 협력건축을 열쇳말로 삼아 우리 도시 건축의 풍경을 이야기한다.

일시: 전시기간(1 월중) 매주 목요일 7:30-9:00pm
특별 대담(선배 건축가와의 대화): 1 월 24 일 토요일 4:00-6:00pm
장소: 커먼빌딩 4 층 (서울 종로구 창성동 122-12 )
사전신청: yafkorea2014@gmail.com 이메일 접수

건축일상 | Architecture Everyday

2015. 1. 8 목요일
건축일상 | Architecture Everyday
서승모(효자동사무소 대표), 전숙희(와이즈건축 대표), 황두진(황두진건축사무소 대표), 조병수(조병수건축연구소 대표), 정재은(영화감독)

건축확장 | Architectural Expansion

2015. 1. 15 목요일
건축확장 | Architectural Expansion
임진영(건축전문기자), 정다영(국립현대미술관 큐레이터), 이재준(새동네연구소 소장), 이진오(SAAI 건축 대표), 김영나(디자이너)

건축유희 | Architectural Amusement

2015. 1. 22 목요일
건축유희 | Architectural Amusement
이정훈(조호건축 대표), 문훈(문훈건축발전소 대표), 김찬중(The_SystemLab 대표), 김일현(경희대학교 교수), 전우치(엘로퀀스 편집장)

협력건축 | Collaboration of Architecture

2015. 1. 29 목요일
협력건축 | Collaboration of Architecture
하태석(SCALe 대표), 국형걸(이화여자대학교 교수), 송하엽(중앙대학교 교수), 에브리웨어(미디어 아티스트), 이수연(국립현대미술관 큐레이터)

특별 대담 ㅣ Special Talk

2015. 1. 24 토요일
특별 대담
김인철(아르키움 대표), 유걸(아이아크 대표), 조성룡(조성룡도시건축대표), 최문규(가아건축사사무소 대표) + 박성태(정림건축문화재단사무국장), 하태석(SCALe 대표)
 
 
youngarchitectsforum.or.kr
 
 

전시개요
전시 제목: 옷
전시 기간: 2015년 3월 9일 – 4월 7일
전시 장소: 아마도 예술공간(서울시 용산구 한남동 683-31)
참여 작가: ALEE(이선아), 구원정(Ku WonJung), 오유경(Oh Yu Kyung), 하재민(Minky Jaemin Ha), 태경원(Taegyoungwon), 빠키(Vakki)
주최/주관: 아마도 예술공간/연구소
후원: 대안공간 LOOP, 헬로우뮤지움, Eloquence, Oh!Records

오프닝 파티
패션과 음악이 함께하는 Groove Night!
장소: 아마도 예술공간 1층
날짜: 2015년 3월 9일 8PM
DJ 라인업 : CABINETT / FFAN / GON / KUMA
모든 관람객에게는 one free drink 제공
 
 

이윤 추구라는 명제 아래 인본주의가 아닌 상업주의적 디자인으로 변질되어가며 글로벌 명품 브랜드의 창궐을 낳는다. 21세기, 디지털 혁명과 함께 우리는 또 다른 새로운 변화의 시기를 맞이하고 있다. 디지털 기술은 우리에게 소통의 민주화뿐만 아니라 생산의 민주화를 가능케 하며 상품 생산에 있어서 자본과 노동력으로부터 독립할 수 있는 기회를 가져다 주고 있다.

21세기, 마이크로 트렌드(micro trend) 시대에는 개인지향의 다품종 소량생산 체제를 통해 제품을 양산하고 유통할 수 있다. 개인 혹은 소공동체의 디자이너들은 작은 스튜디오에서 자신만의 고유의 색깔이 담긴 제품을 소량생산하며 합목적성, 심미성에서 나아가 인간의 주체적 감성까지 추구하는 ’21세기형 신디자인 운동’을 펼치고 있는 것이다.

이번 아마도 예술공간/연구소에서 이러한 사회적 변화의 움직임을 패션디자인의 생산과 소비의 산업적, 예술적 맥락에서 접근하고자 한다. 이번 전시는 3가지 목적을 가지고 있는 디자인전이다. 첫째, 인간중심의 주체적 감성을 보여주는 디자인전이다. 둘째, 합목적성, 경제성보다는 보다 실험성을 추구하는 디자인전이다. 셋째, 패션에서 확장되어 타장르(음악, 영상, 설치, 회화)들과 결합을 시도하는 디자인전이다.

이번 <옷> 디자인전은 회화 작품을 연상케 하는 패턴 디자인, 날 것 그대로의 과감하고 생생한 색채, 기상천외한 형태 등 강렬한 이미지의 패션 판타지를 보여줌으로써 아카데믹하고 엄숙한 전시가 아니라 액티브하고 다이나믹한 요소들이 화학적으로 결합되는 실험적이고 트렌디한 프로젝트이다. 전시와 더불어 동적인 쇼를 겸비한 복합적인 형태는 주체적이고 활동적인 젊은 층을 타깃으로 오늘날의 문화를 적나라게 반영하는 옷과 음악 그리고 미술을 통해 현대미술의 난해함을 불식시키고 소비문화 와 대중문화로부터 새로운 가능성을 엿볼 수 있을 것이다.

amadoart.org

엘로퀀스 아티스트 시리즈 2: 올리비에 잠 (2015년 5월 6일 – 10일, 5일간) 

오프닝 파티: 2015년 5월 6일 저녁 6시-11시, 가나아트갤러리(서울시 종로구 평창동 97)

 

 

After our first successful Eloquence Artist Series with photographer Hasisi Park, we are pleased to announce the second exhibition of our Artist Series with Olivier Zahm, co-founder and editor-in-chief of Purple Magazine.

 

The opening party is happening on May 6th from 6pm to 11pm at Gana Art Gallery in presence of the artist himself. Seoul-based DJ crew Pute Deluxe will provide an eclectic mix of music throughout the evening. We would appreciate if you can join us for this special event.

Eloquence Artist Series 2: Olivier Zahm (May 6th – 10th, 2015)
Opening Party: May 6th, 6-11pm, @Gana Art Gallery(97 Pyeongchang-dong, Jongro-gu, Seoul)

제목: <엘로퀀스 매거진 아티스트 시리즈 3> 백승우 개인전
기간: 2015년 6월 5일(금) – 6월 14일 (일)
관람시간: 오전 11시 – 오후 6시 (전시기간 내, 무료관람)
장소: Untitled, 윈도우 갤러리 Grenze (서울시 종로구 평창동 465-9)
오프닝 파티: 6월 5일 저녁 10 시 – 새벽 1시 (DJs Pute Deluxe), Untitled(서울시 종로구 평창동 465-9)
* 오프닝 파티는 온라인 사전 등록시 무료입장 가능합니다. (현장등록: 10,000원+음료 1개 교환권) 온라인 사전등록 바로가기

엘로퀀스 매거진 아티스트 시리즈(Eloquence Magazine Artist Series)
이번 <아티스트 시리즈>의 세 번째 전시는 사진전문잡지인 이안매거진과 함께 큐레이팅한 백승우 사진작가의 작품과 함께한다.
엘로퀀스 매거진 출간이래 시작한 이래 지금까지 국내외 아티스트를 끊임없이 소개해왔다. 지난 3년간 매거진을 발행해오면서 엘로퀀스는 성장했고 이제 크리에이티브 분야에서 활발한 행보를 보이고 있다. ‘아티스트 시리즈(Artist Series)’ 행사를 통해 엘로퀀스가 선별한 아티스트의 멋진 작품들을 소개하고자 한다. 2014년 겨울, 한국의 젊고 감각적인 포토그래퍼 하시시 박의 전시로 <아티스트 시리즈 1>의 시작을 알린 엘로퀀스는 5월 초 <아티스트 시리즈 2>의 그 두번째 전시로 <퍼플매거진>의 편집장 올리비에 잠(Olivier Zahm)의 전시를 선보인바 있다.

엘로퀀스 아티스트 시리즈 3: 백승우 개인전
이번 전시는 백승우 작가의LP Jacket Edition을 처음으로 공개하는 자리이다.
LP Jacket Edition은 이름 그대로 LP 레코드 음반 형태에 작가의 서명이 들어간 작품 1점이 포함된 한정판 에디션이다.
일반인들에게는 어렵게만 느껴지는 예술 작품 수집을 LP Jacket이라는 이색적인 방식을 통해 대중적으로 더 많은 사람들이 작가의 작품 세계를 공유할 수 있도록 기획했다. 또한 작품이란 벽에 전시되는 것이라는 고정관념을 LP를 소장할 수 있다는 재미있는 컬렉션 방법을 제시함으로써, 예술작품 수집에 대해 좀 더 편하게 생각할 수 있도록 했다. 그 첫 결과물인 백승우의 LP Jacket Edition은 작가의 초기작인 2000년 부터 201년 까지 총 10가지 시리즈로 구성되었으며, 시리즈 제목을 재해석한 재킷은 디자이너 부르더가 아트 디렉팅을 맡았다. 전시와 브랜딩 프로모션 등으로 아트디렉터로서 활발하게 활동하고 있는 부르더BRUDER는 이번 LP Jacket Edition 기획부터 제작에 이르기까지 깊숙이 참여하여 백승우 작가의 지난 작품들을 재조명하고 새로운 가치를 부여했다. 10개의 시리즈 별 100개 한정판으로 제작된 이번 에디션은 매력적인 재킷뿐만 아니라 그 안에 들어 있는 마운트된 오리지널 작품으로 소장가치를 더하며 백승우 작가의 지난 12년간 작품을 기존과는 다른 방식으로 접할 수 있는 즐거운 기회를 선사할 것이다.
이번 아티스트 시리즈에는 LP Jacket Edition뿐만 아니라 백승우 작가의 다른 작품들도 만날 수 있다. 또한 백승우 작가의LP Jacket Edition을 재해석한 두 작가의 작품이 함께 설치될 예정이다. 이동욱 건축가는LP Jacket Edition에서 영감을 받은 구조물 작업을 선보일 것이며 강지혜 영상감독이 LP Jacket Edition를 바탕으로 만든 영상이 틀어질 예정이다.

Archive Project-#009, 2015, Digital print, 10.5 x 14cm

BL-#065, 2015, Digital print, 10.5 x 13cm

백승우 소개:
2000년 중앙대학교 예술대학 사진학과를 졸업하고, 2005년 영국 미들섹스 대학교에서 순수미술과 이론을 전공했다. 개인전 《Blow up》(가나보브루 갤러리, 프랑스, 2006), 《Real World》(인사아트센터,서울, 2007), 일우 사진상 수상전 《Utopia/Blow up》(일우스페이스, 서울, 2010), 《판단의 보류》(아트선재센터, 서울, 2011), 《Memento》(두산갤러리 뉴욕, 미국, 2012), 《틈, 실현불가능한 일반화》(가나아트센터, 서울, 2012) 등을 열었다. 2010년 Dreamland (퐁피두 센터, 파리, 2010)을 비롯해 영국·독일·프랑스·일본에서 60여 차례 전시와 프로젝트에 참여했다. 2001년 제3회 사진 비평상 대상, 2009년 일우사진상을 수상했고, 2013년 일본 아트치요다 3331, 2014년 밴쿠버 비엔날레 레시던시 프로그램에 선정된 바 있다. 국립현대미술관, 아트선재센터, 금호미술관, 샌프란시스코 현대미술관, 휴스턴 미술관 등에 작품이 소장되어 있다. 작품집으로 『Blow up/Utopia』(이안북스, 2010), 『Memento』(이안북스, 2011) 등이 있다. 현실보다 비현실적 공간이 우리의 정체성에 물음을 던진다고 말하는 그는 계속해서 변형되고 조작된 현실의 이중성 혹은 현실과 가상을 혼합하고 대비시키는 작업을 통해 사진의 진정한 의미와 확장 가능성에 대해 탐구하고 있다.

Title: Seungwoo Back Solo Exhibition
Period: June 5, 2015 (Friday) – June 14, 2015 (Sunday)
Opening Hours: 11AM – 6PM (Free Entrance)
Place: Untitled, Window Gallery Grenze (Seoul, Jongro-gu, Pyeongchang-dong 465-9)
Opening Party: June 5, 2015, 10PM – 1AM (DJs Pute Deluxe)
* Free entrance if you register here Or 10,000 won + 1 free drink.
*This exhibition is curated by Eloquence and IANN.

Eloquence Magazine Artist Series:
For the third edition, Eloquence introduces photographer Seungwoo Back. This upcoming exhibition is co-curated by IANN, an art photography magazine. Since its birth, Eloquence has always supported and highlighted both Korean and overseas artists of many fields by introducing them on paper. Through its Artists Series, Eloquence would like to introduce you selected talents beyond the conventional white cube. After our first successful Artist Series with photographer Hasisi Park in December last year, we held a second solo exhibition with Olivier Zahm, co-founder and editor-in-chief of Purple Magazine.

Eloquence Artist Series 3: Seungwoo Back Solo Exhibition
For his solo exhibition, photographer Seungwoo Back introduces his brand new LP Jacket Edition to the public for the first time. LP Jacket Edition is a signed limited edition version of Back’s work in LP format. Back wants to give the public the opportunity to collect art pieces, even if it is sometimes considered to be inaccessible.

Showcasing his work in collectible format, the artist breaks the traditional stereotype of artwork. Hence, his work is a way for the public to connect with art in an easy and friendly way. Therefore, LP Jacket Edition consists of 10 series, chosen from his early work “In the Room” (2000) to his later work “Re-establishing Shot” (2011). The jacket design was reinterpreted by design studio BRUDER and they reinterpreted the name of the series as well. BRUDER was actively involved from planning to production, giving new meaning to the project.

The LP Jacket Edition box set consists of ten different artworks and is limited to a hundred sets. The attractive jacket and the original artwork inside give the public a new opportunity to appreciate his work from the past twelve years. For Artist Series 3, you can also view his other work apart from the LP Jacket Edition. An installation by architect Dongwook Lee and a video project by video director Jihye Kang will also be exhibited. Back’s LP Jacket Edition inspired both artworks.

Seungwoo Back Introduction
Seungwoo Back graduated from Chung-ang University with a major in Photography in 2000. Afterwards, he majored in Fine Art & Theory at Middelsex University in England in 2005. He had several solo exhibitions such as “Blow Up” (Galerie Gana Beaubourg, France, 2006), “Utopia/Blow” (Ilwoo Space, Seoul, 2010), “Deferred Judgement” (Artsonje Center, Seoul, 2011), “Memento” (Doosan Gallery, New York, U.S.A., 2012), “Break, Unrealistic Generalization” (Gana Art Center, Seoul, 2012) amongst others. He also participated in over 60 group exhibitions and projects in England, France, Germany and Japan including “Dreamland” at Centre Pompidou in Paris. He was awarded the “The 3rd Sajin Bipyong Awards,” in 2001, the Ilwoo Photography Award in 2009 and he was selected to participate the Japan Art Chiyoda 3331 in 2013 and Vancouver Biennale Residency Program in 2014. His artworks are in the permanent collections of National Museum of Modern and Contemporary Art, Artsonje Center, Kumho Gallery, San Francisco Museum of Modern Art, Houston Gallery, etc. He also published two books “Blow Up/Utopia” and “Memento” published by IANN.

The artist considers that the space of unreality contemplates more our identity than the space of reality. Through his works, which show the duality of reality transformed and manipulated consecutively and the mixture and contrast of the reality and imagination, he continues to explore the genuine meaning of photography and its extensibility.

엘로퀀스가 레코드 전문 레이블 ‘음레코드(MMM RECORDS)를 곧 런칭합니다.

[음레코드]는 점점 사라져 갔던 레코드가 다시 주목을 받으면서 소수의 매니아들만 향유하는 문화가 아닌 누구나 편안하고 쉽게 레코드를 접했으면 하는 마음으로 시작했습니다. 어렵게만 생각했던 레코드와 턴테이블을 직접 손으로 만지고 귀로 듣는다면 듣는 음악이 아닌 경험하는 음악의 순간과 마주치게 될 것입니다.

[음레코드]는 누구나 바이닐과 디제이 장비를 직접 만져보고 체험함으로써 바이닐 문화를 보다 쉽고 재미있게 접할 수 있게 합니다. [음레코드]는 레코드를 판매하는 것으로 그치는 것이 아니라 레코드를 직접 만들고 레코드 페어와 디제이 파티, 공연, 아카데미 등의 바이닐 기반의 다양한 프로젝트를 진행 계획 중인 종합 음반레코드 레이블 회사입니다.

오프닝 날짜는 6월 중이며 홈페이지와 SNS를 통해 공지하도록 하겠습니다.

주소: 서울시 한남동 620-152
연락처: mmmrecords.seoul@gmail.com

페이스북: www.facebook.com/mmmrecords.seoul
인스타그램: @mmmrecords

L'impasse81 랑빠스81의 브랜디드 필름이 공개되었습니다.

까다로운 공정과 정성스러운 숙성으로 만들어지는 랑빠스81의 수제 드라이햄, 샤퀴테리.
좋은 재료를 엄선하고 계절에 맞는 샤퀴테리를 만드는 랑빠스81 쉐프들의 정성과 시간을 만나보세요.

[완벽한 샤퀴테리의 7가지 규칙]
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<랑빠스81>의 햄과 소세지가 그토록 맛있었던 7가지 비밀 공개!
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규칙 1. 국내 축산물 시장에서 찾아낸 최고급 국산 냉장육으로 만든다.
규칙 2. 다양한 향신료의 성스러운 조화! 천연 소금과 향신료로만 맛을 더한다.
규칙 3. 플라스틱은 금물! 소시지에 쓰이는 케이싱(껍질)도 자연산이다.
규칙 4. 모든 음식에 손맛을 더한다! 그래서 랑빠스의 햄과 소시지는 '핸드메이드'이다.
규칙 5. 슬로우 푸드에서 빼놓을 수 없는 마지막 재료는 바로 적절한 습도와 온도.
규칙 6. 핸드메이드 소시지는 특성에 맞춰 잘 어울리는 가니시와 곁들이면 근사한 한 끼 식사가 된다.
규칙 7. 맛이 있는 음식은 보기에도 좋아야 더 맛있는 법!
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[7 Rules For The Perfect French Charcuterie]
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Revealing 7 secrets of why <L'impasse81>'s ham&sausage was so delicious.
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Rule 1. Use fresh domestic pork from Majandong Butcher's Market.
Rule 2. The flavour of our meats comes from natural salts & spices.
Rule 3. No plastic please! All our sausage casings are natural.
Rule 4. Our hams are hand-made for that extra "Touch"
Rule 5. Natural sunlight is a key ingredient in slow food.
Rule 6. Meat tastes better when garnished with a healthy side of veggies.
Rule 7. Great food should always look great too!

Editors: Jinyob Kim, Dani Daeun Kim, Sophie Haeri Park
Image Courtesy: The Designers / Studios

Olive and sesame oil can by Lo Siento

Design Studio: Lo Siento
Name of Product / Design: Olive and sesame oil can
Client: Carles Tejedor for Olis Bargalló
Release Date: Nov. 2013
Time spent on realization: 1 Week

How did you come up with the initial idea for the design, what was your philosophy and reason behind it?
The main idea was to give the typography the same format and shape as that of the oil can. The typeface is condensed, just like the bottle. And the design is condensed, just like the olive oil.

Please tell us about the process from original concept and final outcome. Has the design changed?
From the beginning, the decision was to make the product look like a typographical pack, based on something very simple such as showing the container almost naked.

What were the client’s first instructions?
There were no instructions to speak of. We enjoyed absolute freedom as long as the product would work out communicating what it is.

초기 아이디어는 어떤 과정에서 나왔나? 이 디자인의 철학이나 근거는 무엇이었는가?
중심 아이디어는 기존의 기름 캔 포맷과 형태에 타이포그래피를 더하자는 것이었다. 서체는 용기와 똑같이 ‘압축(condensed)’하고, 디자인 역시 올리브유처럼 ‘압축’했다.

초기 콘셉트에서 최종 결과물에 이른 과정에 대한 설명 부탁한다. 디자인이 어떻게 바뀌었는가?
맨 처음부터 압축된 타이포그래피를 강조한다는 방향이 정해져 있었다. 용기에 거의 아무것도 입히지 않는 식의 아주 단순한 방법을 이용해서 말이다.

클라이언트가 처음에 요구한 사항은 무엇이었는가?
특별한 것은 없었다. 우리는 절대적인 자유를 누리면서 제품 본연의 특성을 충실히 반영하려고만 했다.

losiento.net

NYC Spaghetti by Ben Thorpe and Alex Creamer

Ben Thorpe and Alex Creamer
Name of Product / Design: NYC Spaghetti
Client: Student Project
Release Date: May 2010
Time spent on realization: 2-3 months

How did you come up with the initial idea for the design, what was your philosophy and reason behind it?
We were set the task of packaging one of five difficult items. Our choices included custard powder, eggs and roses. I went with spaghetti and spent a few days experimenting with the structure and aesthetics of the product. It became apparent the strands of spaghetti when tightly packed produced an interesting impression on top, depending on what it sat upon. The concept evolved from there, into New York skyscrapers.

Please tell us about the process from original concept and final outcome. Has the design changed?
The process was quite fast, once the concept was resolved. Ben and I worked over a few weeks measuring and deciding on the types of skyscrapers that could be modeled. Ben created a few iterations and we used his contacts to get the models prototyped and tested. We had to make sure the modeled skyscrapers could hold enough spaghetti on the ledges and that overall scale was adequate. Equally the general building of the box to house the spaghetti proved a challenge, and required some work. Once these areas were resolved the project began to take shape very quickly.

How was the feedback after release?
The project was well received online and has since been awarded 2nd place at The Dieline awards.

초기 아이디어는 어떤 과정에서 나왔나? 이 디자인의 철학이나 근거는 무엇이었는가?
우리는 다섯 개의 까다로운 아이템 중 하나를 포장하는 임무를 받았다. 커스터드 분말, 달걀 그리고 장미가 있었는데, 나는 스파게티를 선택하고 이 제품의 구조와 미학을 가지고 며칠 동안 실험을 계속했다. 그 결과 스파게티를 빽빽하게 담으면 바닥 면에 따라 위쪽에 흥미로운 모습이 나타난다는 사실을 알아냈다. 이렇게 시작된 아이디어가 뉴욕의 마천루로 완성되었다.

초기 콘셉트에서 최종 결과물에 이른 과정에 대한 설명 부탁한다. 디자인이 어떻게 바뀌었는가?
일단 콘셉트를 결정했더니 그 이후 과정은 꽤 빠르게 진행되었다. 몇 주 동안 벤과 나는 모델로 삼을 만한 몇 가지 마천루의 유형을 측정하고 선택했다. 벤이 몇 가지 이터레이션을 만들어 냈고, 우리는 그의 인맥을 동원하여 모델을 만들고 시험했다. 스파게티 마천루가 충분한 양의 스파게티를 담을 수 있게 하고 규모도 적절하게 맞추어야 했다. 스파게티를 담을 상자의 전체적인 형태를 만드는 것도 쉽지 않은 일이었다. 이러한 문제들이 해결되자 작업이 너무도 빨리 형태를 잡아 가기 시작했다.

출시 이후 반응은 어땠는가?
온라인에서 좋은 평가를 받았다. 다이라인 어워즈 (The Dieline awards)에서 2등을 했고 D&AD 학생 부문에서도 찬사를 받았다.

benthorpedesign.com
alexcreamer.co.uk

Beaujolais Nouveau “Fresh Blood” by McCann Vilnius – Karolis Zukas

McCann Vilnius – Karolis Zukas
Name of Product / Design: Beaujolais Nouveau “Fresh Blood”
Client: n/a
Release Date / Period: November 2011
Time spent on realization: 24 hours

Please introduce yourself.
Karolis Zukas is an old wolf in advertising, who doesn’t eat meat.

How did you come up with the initial idea for the design, what was your philosophy and reason behind it?
Credits for the idea here actually go to the whole team who worked with me: copywriter Audrius Puidokas and art director Ernesta Valantiejute. Creating packaging for Beaujolais nouveau wine is our annual tradition at McCann Vilnius. Every year we try to come up with an absolutely new concept and packaging idea. In 2011 our team changed a lot, so we decided that the packaging for this young wine should reflect our relatively young team. This is why we called it “Fresh Blood”.

Please tell us about the process from original concept and final outcome. Has the design changed?
From the beginning we knew two things: it should be real blood bags and the label should look just like the real thing. After some google-ing we pretty much had the idea for the layout to have mug shots of everyone in the agency and wrote short bios of all employees. We wanted to stay minimal, so at the top of the label we only had a name “Blood Bank” and an especially made logo. A short bio just fell in nicely and the second part of the label was dedicated just for a smart play with a word AD.

What were the client’s first instructions?
Well… as long as our client was our own agency, the whole brief was quite simple – come up with a new idea to pack wine. That’s pretty much all.

How was the feedback after release?
We were overwhelmed by the feedback. The wine was sent to our existing clients and some new businesses. And everyone responded with very positive feedback. We were even immediately invited to some new business pitches. On the other hand, it’s true that since 2011 everyone in the market knows that right at the end of November, McCann Vilnius is going to present some cool new packaging of Beaujolais nouveau. Some people say that these limited edition packages became real collectible.

본인 소개 부탁한다.
나 카롤리스 주카스(Karolis Zukas)는 광고계의 거장이다.

디자인의 첫 구상은 어떻게 시작하는가? 당신의 디자인 철학과 그 이유가 궁금하다.
카피라이터인 오드리우스 퓌도카스(Audrius Puidokas)와 아트디렉터 어네스타 발렌티주트 (Ernesta Valantiejute) 덕분에 이번 디자인을 완성할 수 있었다. 보졸레 누보 와인의 패키징 작업은 맥켄 빌뉴스(McCann Vilnius)에서 해마다 진행하는 전통이다. 매해 우리는 완전히 새로운 콘셉트와 패키지를 만들어 내기 위해 노력한다. 우리 팀은 2011년에 많은 변화를 겪었고, 그래서 이번 와인을 위한 패키징은 상대적으로 새롭고 젊은 팀 분위기를 반영해야 한다고 결정했다. 그래서 우리는 이것을 ‘젊은 피’라고 불렀다.

처음 콘셉트에서 최종 결과물이 도출되기까지의 과정이 궁금하다. 도중에 디자인이 바뀌기도 했는가?
우리는 처음부터 다음의 두 가지 사실을 알고 있었다. 첫째, 진짜 혈액 주머니여야 한다는 것, 둘째, 라벨 역시 진짜 혈액 주머니에 붙은 라벨처럼 보여야 한다는 것이다. 인터넷 검색 후 우리는 에이전시의 구성원 모두의 상반신을 찍고 그들의 간략한 생체 정보를 적는 아이디어를 구상했다. 우리는 아주 단순한 형태를 유지하고 싶었기에 라벨 윗부분에는 ‘혈액은행’이라는 단어와 특별 제작한 로고만 붙였다. 그랬더니 그 아래에 간략한 생체 정보가 잘 맞아떨어졌고, 그 오른쪽에는 ‘AD’라는 단어만 넣어 재미를 주었다.

클라이언트가 처음에 주문한 사항은 무엇이었나?
글쎄… 우리 에이전시가 클라이언트였던 관계로 주문은 매우 간단했다. 와인을 포장할 새로운 아이디어를 떠올리는 것, 그게 전부였다.

출시 이후 반응은 어땠는가?
예상하지 못한 엄청난 반응에 우리 모두 정말 놀랐다. 우리의 기존 클라이언트와 신규 업체들에 와인을 보냈는데 다들 매우 긍정적으로 반응해 왔다. 덕분에 그 즉시 몇몇 새로운 사업 홍보 건에 합류하기도 했고. 한편, 2011년 이래 이 시장에 있는 모든 이가 11월 말이면 맥켄 빌뉴스의 새로운 보졸레 누보 패키징을 기대하는 것도 사실이다. 이 한정판 패키지가 수집할 만한 물건이라고 평하는 이들도 있다.

mccann.com

Mikkeller + Bedow by Bedow

Design Studio: Bedow
Name of Product / Design: Mikkeller + Bedow
Client: Mikkeller
Release Period: Four beers were released in 2012 – one for each season.
Time spent on realization: 160 hours (idea, design and test printing with heat sensitive ink)

Please introduce yourself.
My name is Perniclas Bedow and I work as the creative director in Bedow design studio in Stockholm, Sweden. I started working in design in the late 90s in an advertising agency, but since 2005 I run my own studio with three employees.

How did you come up with the initial idea for the design, what was your philosophy and reason behind it?
95% of all beers are communicating tradition – we wanted to create something that had not been done before. Since Mikkeller are one of the most progressive breweries in the world we thought we should create a progressive packaging.

Please tell us about the process from original concept and final outcome. Has the design changed?
Our initial idea was to use heat sensitive ink in some way. Since a beer can be both warm and cold – and so can the seasons – we thought it could be a good solution. The problem was that we had never printed with heat sensitive ink before so we needed to test-print several times to understand how it reacted on temperature changes. When we found out that the ink worked as we wanted we needed to find two symbols for each beer – one that represents the last season and one that represents the current season. For example, the Pale Spring Ale has a snowflake on it when it is cold, and when the beers gets warm or when a warm hand grips the bottle – it changes into a sun. When all symbols were done we created a simple four-column grid and gave as much space as possible to the heat sensitive symbols. The text that needed to be on the label was set in a modern sanserif typeface.

What were the client’s first instructions?
To interpret the four seasons in an interesting way.

How was the feedback after release?
The beers sold out as soon as they were released. Three of four beers were rated extremely high on RateBeer.com. Photos of the beers were widely spread in social media. Design jurys all over the world liked it and it was awarded in Art Directors Club, Cannes Lions, D&AD and European Design Awards, to mention a few.

본인 소개 부탁한다.
내 이름은 페르니클라스 베도우(Perniclas Bedow) 이며 스웨덴 스톡홀름에 있는 베도우(Bedow) 디자인 스튜디오에서 크리에이티브 디렉터로 일하고 있다. 1990년대 말 광고 에이전시에서 디자인 일을 시작했고, 2005년부터 세 명의 직원과 함께 직접 디자인 스튜디오를 운영하고 있다.

초기 아이디어는 어떤 과정에서 나왔나? 이 디자인의 철학이나 근거는 무엇이었는가?
모든 맥주의 95%는 전통을 이야기한다. 우리는 전에 없던 새로운 것을 만들어 내고 싶었다. 미켈러 (Mikkeller)는 세계에서 가장 진취적인 맥주 제조 업체 가운데 하나다. 그래서 진취적인 패키징을 완성해야겠다고 생각했다.

초기 콘셉트에서 최종 결과물에 이른 과정에 대한 설명 부탁한다. 디자인이 어떻게 바뀌었는가?
처음 떠올린 아이디어는 열감지 잉크를 사용해 보자는 것이었다. 계절과 비슷하게 맥주도 따뜻할 때가 있고 차가울 때가 있기 때문에, 열감지 잉크가 좋은 해결책이 될 수 있을 듯했다. 하지만 우리가 이전에 열감지 잉크로 인쇄해 본 경험이 없었다는 게 문제였다. 이에 열감지 잉크가 온도 변화에 반응하는 것을 이해하고자 여러 차례 시험 인쇄를 했다. 잉크의 효과를 확인한 다음에는 각 맥주에 들어갈 두 가지 상징을 찾았다. 하나는 지난 계절을, 다른 하나는 현재의 계절을 나타낸다. 예컨대 Pale Spring Ale은 차가울 때는 병에 눈송이가 나타나고, 맥주가 따뜻해지거나 따뜻한 손으로 병을 잡으면 눈송이가 태양으로 바뀐다. 모든 상징을 결정한 다음에는 단순한 4단 그리드에 열감지 상징을 큼직하게 넣었다. 라벨에 들어가는 텍스트의 서체는 모던 산세리프로 했다.

클라이언트가 처음에 요구한 사항은 무엇이었는가?
사계절을 재미있게 해석할 것을 요구했다.

출시 이후 반응은 어땠는가?
출시하자마자 품절이었다. 네 종 중 세 종은 RateBeer.com에서 정말 높은 점수를 받았다. 제품의 사진이 소셜 미디어를 타고 확산되었다. 전 세계의 디자인 평가단이 호평했고, Art Directors Club, 칸 국제 광고제, D&AD 그리고 European Design Awards를 비롯한 수많은 곳에서 상을 받았다.

bedow.se

Lacoste Eco –Techno Polo by Tom Dixon

Mind Design
Name of Product/ Design: Lacoste Eco –Techno Polo by Tom Dixon
Client: Tom Dixon
Release Date: 2007
Time spent on realization: 1–2 months

How did you come up with the initial idea for the design, what was your philosophy and reason behind it?
Tom’s concept was to explore two very different materials and the technology used in the production process of the garment. The most eco-friendly way to package the Eco Polo was not to print on the packaging at all but use embossing instead. The Techno Polo is vacuum-packaged in screen-printed foil.

Please tell us about the process from original concept to final outcome. Has the design changed?
We worked in close collaboration with the Tom Dixon and Lacoste team. Since Tom is known as a product designer, not necessarily a fashion designer it was an obvious choice to work with unusual materials based on two contrasting concepts. The Eco-Polo, inspired by recycled egg-cartons, is made from a natural fabric which was hand-died in an indigo color in India. The Techno-Polo uses metallic fibers. The research into those unusual packaging materials took a long time and finding manufacturers to produce them was equally time-consuming. The original concept did not change very much at all. However, the initial graphics where a bit more complicated and played on the fact that the letters ECO can be found in the word TECHNO. In the end we decided that the materials themselves are more important than the graphics and reduced all the text to the simplest option.

What were the client’s first instructions?
The client’s first instructions where just to design the packaging. In the course of the project it became obvious that some large graphics for the launch at Dover Street Market were needed as well.

How was the feedback after the release?
I think the feedback was good. We only received a copy of the Eco-Polo and when I tried to actually buy a Techno- Polo in a Lacoste shop a few months later they were all sold out. I assume they must have been popular and I hope people also kept the packaging.

초기 아이디어는 어떤 과정에서 나왔나? 이 디자인의 철학이나 근거는 무엇이었는가?
톰 딕슨(Tom Dixon)의 콘셉트는 이 의류의 제작 공정에 쓰이는 두 가지의 매우 이질적인 재료와 기술을 탐색하는 것이었다. 에코 폴로(eco polo)를 포장하는 가장 친환경적인 방법은 포장에 아무것도 인쇄하지 않는 대신 엠보싱을 이용하는 것이었다. 테크노 폴로(techno polo)는 스크린 인쇄한 포일로 진공 포장을 했다.

초기 콘셉트에서 최종 결과물에 이른 과정에 대한 설명 부탁한다. 디자인이 어떻게 바뀌었는가?
우리는 톰 딕슨과 라코스테 팀의 긴밀한 협조 아래 작업했다. 톰은 패션 디자이너, 결국 상품 디자이너이므로 두 가지의 대조적인 콘셉트를 바탕으로 독특한 재료를 구사하는 것을 선택한 것도 당연했다. 에코 폴로는 재활용 달걀 상자에서 영감을 얻은 것으로, 인도에서 인디고색으로 손으로 염색한 천연 직물로 만든다. 테크노 폴로에는 금속 섬유를 사용한다. 이 특이한 포장재를 연구하는 데 많은 시간이 걸렸고, 제작 업체를 찾아내는 것도 쉽지 않았다. 하지만 최초의 콘셉트는 거의 변하지 않았다고 볼 수 있다. 다만, 처음의 그래픽은 ‘TECHNO’에서 ‘ECO’라는 글자를 찾을 수 있다는 사실에 주목하여 만들어 낸 것이라 조금 복잡했는데, 결국엔 그래픽보다 재료 자체가 더 중요하다고 결론짓고 텍스트를 최소한으로 줄였다.

클라이언트가 처음에 요구한 사항은 무엇이었는가?
최초의 요구 사항은 패키징 디자인의 출발점에 대한 것뿐이었다. 작업 도중에 도버 스트리트 마켓 (Dover Street Market)에서의 론칭을 위한 대형 그래픽이 추가로 요구되었다.

출시 후 반응은 어땠는가?
반응은 좋았다고 본다. 우리는 에코 폴로 샘플만 받아 두었다가 몇 달 후 실제로 매장에 가서 테크노 폴로를 사려고 했으나 품절이었다. 에코 폴로와 테크노 폴로 모두 굉장한 인기를 얻었던 것이 분명하다. 난 사람들이 패키지 또한 간직해 주었으면 한다.

minddesign.co.uk

Hanger Tea by 0.1vision

0.1vision
Name of Product / Design: Hanger Tea
Client: n/a
Release Date: December 2009
Time spent on realization: 8 months

Please introduce yourself.
0.1vision stands for a minimal yet significantly different vision, the ability to see further than the object itself. It’s about what is beyond the boundaries of eyesight, because there is more to the communication between man and material than vision. 0.1vision always tries to pay attention to those things surrounding objects.

How did you come up with the initial idea for the design, what was your philosophy and reason behind it?
The design concept was to not only look for beauty but to breathe life into the item. People seek happiness and comfort in things. And my philosophy is to find a way to let the product communicate with the buyer. It shall become a friend or deliver joy to its user.
The initial idea came to me when I was backpacking through Europe. After lunch in Italy I was enjoying some tea, but the tea bag thread kept dropping in the glass. At the same time I saw a bright t-shirt and other laundry hanging under the Cinque Terre sun and thought: “I wish I could hang my tea bag on my cup like that.”

Please tell us about the process from original concept to final outcome? Has the design changed?
At first I designed the hanger form in order to hang the tea bag on a cup. But since hangers belong in a closet I came up with the idea of a transparent package case. And from there I only made one change to the design, because what happened was that during distribution the hangers would fall off the rack. It gave me a headache, but I had to change the design once because of that.

Have you approached any clients or sent out proposals yet?
Despite numerous requests from various distributions I haven’t been able to distribute the product due to obstacles such as design development, circulation, food certification, etc.

Do you plan on releasing the product?
While it is a releasable product already, there are some difficulties that I would like to take care of before carrying on with marketing it. I’ll do my best to make it market-ready.

본인 소개 부탁한다.
0.1vision은 ‘시력 0.1의 다른 세상’을 뜻한다. 사물 그 자체만이 아니라 사물과 경계를 이루는 그 너머의 세상까지 함께 바라보고, 때로는 눈이 아닌 다른 감각으로 바라보고자 한다. 사물과 인간의 관계는 보이지 않는 커뮤니케이션의 집합체인 까닭이다. 0.1vision은 언제나 사물의 주변과 변화의 맥락에서 사물을 바라보며 디자인을 완성해 나간다.

초기 아이디어는 어떤 과정에서 나왔나? 이 디자인의 철학이나 근거는 무엇이었는가?
디자인 콘셉트는 아름다움만 추구하는 것이 아니라 제품에 생명을 불어넣는 것이다. 인간이 제품을 통해 행복과 편리를 느끼고 누리게 하는 것, 제품을 친구로, 또는 웃음을 주는 매개체로 만들자는 것이 나의 디자인 철학이다. 초기 아이디어는 유럽 배낭여행 중에 나왔다. 이탈리아 친퀘테레에서 식사 후에 홍차를 마시다가 티백 끈이 찻잔에 빠져 난감한 상황이었는데 맑은 하늘에 티셔츠와 빨래가 걸려 있는 모습을 보고 ‘티백을 컵에 티셔츠처럼 걸 수 없을까?’ 하는 생각으로 ‘행어 티’를 디자인하게 되었다.

초기 콘셉트에서 최종 결과물에 이른 과정에 대한 설명 부탁한다. 디자인이 어떻게 바뀌었는가?
처음엔 티를 컵에 걸기 위해 옷걸이 형태를 디자인했다. 또, 옷걸이는 옷장에 있어야 하니 패키지 케이스를 투명한 박스의 옷장 형태로 만들었다. 그런데 제품을 유통하는 과정에서 옷걸이가 봉에서 빠지는 현상이 발생하여 디자인을 수정해야 했다. 티백을 윗부분에 고정하는 문제 때문에 많이 고민했다. 그래서 티백 디자인에 변화를 주었다.

클라이언트와 접촉하거나 프로포절을 낸 적이 있는지?
해외의 많은 유통업자로부터 요청이 들어왔지만 제품 개발, 유통 문제, 식품 인증 등 장애물이 많아 아직 유통을 하지 못하고 있다.

앞으로 상품화할 예정인가?
일차적으로 상품화가 된 상태다. 다만 문제가 몇 가지 있어 이를 보완한 더 좋은 품질의 상품으로 상용화를 진행하고 있다. 최대한 빨리 만나 볼 수 있게 노력하겠다.

0-1vision.com

Juice Skin by Naoto Fukasawa

Naoto Fukasawa
Name of Product / Design: Juice Skin
Client: n/a
Release Date: 2004

Was that concept your first approach to packaging design? How did the project come about?
It wasn’t primarily a package design project. It was a series of artworks I did for an art show that focused on the haptic feeling of things.

What do you think is the biggest difference between package design and product design?
Product design highlights the product itself as design, while package design aims at transporting the contents of an item. In that sense, package design acts as means of communication.

Have you ever designed the package for your own products?
I’ve considered it before, but not very often.

과일 껍질을 그대로 살린 패키징 디자인 콘셉트를 보았다. 처음으로 한 패키징 디자인이었나? 어떻게 하게 되었나?
패키징 디자인이라기보다는 물건을 만질 때의 느낌, 즉 촉각을 주제로 한 전시인 <햅틱(Haptic)> 을 위해 디자인한 작품이다. 그래서, 예를 들어 바나나를 만졌을 때의 감촉을 살린 바나나주스 팩을 디자인했다.

제품 디자인과 패키징 디자인의 가장 큰 차이점과 공통점은 무엇이라고 생각하는가?
제품 디자인은 기능 자체를 디자인하는 것이고 패키징 디자인은 안의 내용물을 알 수 있게끔 디자인하는 것이라고 생각한다. 그런 점에서 패키징은 커뮤니케이션 도구라고 생각한다.

직접 디자인한 제품들의 패키징 디자인에도 관여하는지?
관여한 적도 있지만 그리 많지는 않다.

naotofukasawa.com

Matsu by Moruba

Moruba
Name of Product / Design: Matsu
Client: Vintae
Release Date: April 2009
Time spent on realization: 4 months

Please introduce yourself.
Moruba is formed by Daniel Morales and Javier Euba – two designers with undying enthusiasm for each and every one of their projects, who are not satisfied with simply finding the best formal solution, but rather insist that this solution shall be founded in a solid concept. Moruba’s passion for design truly blossoms when they are able to work with the complete confidence of their clients.

How did you come up with the initial idea for the design, what was your philosophy and reason behind it?
The Matsu project is one of the most important and far-reaching projects we’ve worked on in the wine industry. Matsu is a wine produced from a biodynamic vineyard in the PDO area of Toro in Spain. The name means ‘hope’ in Japanese and, conceptually speaking, a Spanish wine with a Japanese name already says a lot. Visually, the design had to be very attractive while making a break from what has been there before, in order to express the fact that this wine is different. Matsu has especially strong links to the land and is made in a highly unique way, so the conceptual conclusion is that a wine is like a person, defined by its environment, which impacts upon it and makes it evolve. That’s why we used top-quality photographic portraits.

Please tell us about the process from original concept and final outcome. Has the design changed?
From the very beginning the idea was clear. The most difficult task was the casting and the photography. Now, five years after the original design was released, the bottles have remained the same.

What were the client’s first instructions?
The briefing was very simple. The client wanted a ‘transgressive’ image to a new concept of wine; based on Japanese culture and the biodynamic. As soon as we saw it, we understood.

How was the feedback after release?
Vintae were present throughout the entire process and were supportive from the start. Matsu is now a highly appreciated wine and its design has become a benchmark. We think it proves that new concepts and new graphical forms can be created and applied to wine labelling. Vintae is a great client. Together we make great and creative projects. We’ve been working with them for five years and every day is better than the one before.

본인 소개 부탁한다.
모루바(Moruba)는 대니얼 모랄레스(Daniel Morales)와 자비에 우바(Javier Euba)로 구성된 디자인 스튜디오로, 지치지 않는 열정으로 모든 작업에 임하고 있다. 우리는 단순히 가장 좋은 형식적인 해결책을 찾는 데 만족하기보다는, 그 해결책이 견고한 콘셉트 안에 기반을 두어야 한다고 고집한다. 클라이언트의 온전한 신뢰를 바탕으로 하는 작업에서 모루바의 디자인 열정이 만개한다.

초기 아이디어는 어떤 과정에서 나왔나? 이 디자인의 철학이나 근거는 무엇이었는가?
‘마츠(Matsu)’는 와인 업계에서 우리가 진행한 가장 중요한 작업 중 하나다. 마츠는 에스파냐 토로지방의 PDO(유럽연합에서 법규로 보호하는 원산지)에 있는 생물역학적인 포도밭에서 생산되는 와인이다. 일본어로 ‘마츠’는 ‘기다림, 희망’을 뜻하며, 개념적으로 말해 일본어 이름을 단 에스파냐 와인이라는 것부터가 벌써 많은 것을 말해 준다. 시각적으로 설명하면, 이 와인은 특별하다는 사실을 표현하기 위해 기존의 디자인과 차별되면서도 매우 매력적인 디자인이 필요했다. 마츠는 그 지역과 매우 밀접한 연관이 있고 굉장히 독특한 방식으로 만들어진다. 바로 이 지점에서, 와인은 인간과 마찬가지로 환경에 의해 결정된다는 것, 환경이 그것에 영향을 미치고 진화를 이끌어 낸다는 것을 콘셉트로 결정하게 되었다. 우리가 패키지에 고화질 초상 사진을 쓴 이유도 여기에 있다.

초기 콘셉트에서 최종 결과물에 이른 과정에 대한 설명 부탁한다. 디자인이 어떻게 바뀌었는가?
처음부터 아이디어는 명확했다. 가장 어려웠던 문제는 인물 선정과 사진 작업이었다. 처음의 디자인이 출시되고 5년이 지난 지금도 여전히 같은 디자인으로 남아 있다.

클라이언트가 처음에 요구한 사항은 무엇이었는가?
브리핑은 아주 간단했다. 일본 문화와 생물역학을 바탕으로 하는 새로운 콘셉트의 와인에 어울리는 ‘ 비관습적인’ 이미지를 원했다. 우리는 그 의미를 바로 이해했다.

출시 이후 반응은 어땠는가?
클라이언트인 빈테(Vintae)는 프로세스 전반에 함께 참여하고 처음부터 우리에게 힘을 실어 줬다. 현재 마츠는 사람들에게 높은 평가를 받고 있으며, 그 디자인은 새로운 기준이 되었다. 우리는 이 작업을 통해 와인 라벨에 새로운 콘셉트와 새로운 그래픽 형태를 개발하고 적용할 수 있음을 증명했다고 생각한다. 빈테는 훌륭한 클라이언트다. 우리는 함께 창의적이고 멋진 작업을 진행한다. 벌써 4년간 함께 일해 왔고 매일 더 발전하고 있다.

moruba.es

Brand Identity for Things We Love by Studio fnt

Studio fnt
Name of Product / Design: Brand Identity for Things We Love
Client: n/a
Release Date: February 2012
Time spent on realization: 6 months

Please introduce yourself.
Studio fnt is a design studio that works on prints, identities, interactive/digital media, typeface design, media art collaborations and more. Founded in 2006 and based in Seoul, Korea, studio fnt launched fnt press, a publishing company for books and other material regarding design, art and anything inventive, in 2010.

How did you come up with the initial idea for the design, what was your philosophy and reason behind it?
TWL is a lifestyle brand and ultimately a collection of Things We Love, developed by current members of the studio fnt. According to the product selection guideline, the brand focuses on objects of integrity and future classic, the basic typeface, newly designed in a classic style. It selects and designs such items. Then, a set of patterns is developed using the 3 letters, T, W and L, for versatile visual applications.

Please tell us about the process from original concept to final outcome? Has the design changed?
Since it’s a self-established brand we had more freedom in the process of the making. We had to maintain a ‘gentle’ image for household products which was ‘economically’ strong enough to be a start-up brand. A lot has changed over time. We did a number of brand designs before, but running our own brand and do the designs for it was a completely new experience.

What were the client’s first instructions?
It was our own project and didn’t involve a client per se, but we did ask ourselves what we could expect from the designs. And we found the right direction by thinking through a number of simulations.

How was the feedback after the release?
We are very satisfied with the fact that the designs don’t speak louder than the items themselves without losing their own identity.

스튜디오 소개 부탁한다.
studio fnt는 프린트, 아이덴티티, 인터랙티브 및 디지털 미디어, 타이포그래피 디자인, 미디어아트 콜래보레이션 등 다양한 작업을 하는 디자인 스튜디오이다. 2006년에 결성하여 서울에서 활동하며 2010년에는 디자인, 예술 영역을 넘어서 독창적인 것을 다루는 서적과 기타 인쇄물을 출간하는 fnt 프레스를 론칭했다.

초기 아이디어는 어떤 과정에서 나왔나? 이 디자인의 철학이나 근거는 무엇인가?
TWL은 ‘Things We Love’의 약자이며 라이프스타일 브랜드이자 studio fnt의 현 멤버들이 만드는 컬렉션이다. 제품 선택의 기준을 말하자면, 클래식한 스타일을 갖춘 신선한 디자인을 보여주며 심플한 타이포그래피를 갖춘 오브제에 주목한다. TWL은 이러한 제품들을 직접 선택하거나 디자인한다. 그리고 알파벳 T, W, L을 이용하여 만든 패턴 세트를 시각적으로 다양하게 응용한다.

초기 콘셉트에서 최종 결과물에 이른 과정에 대한 설명 부탁한다. 디자인이 어떻게 바뀌었는가?
우리가 자체적으로 만든 브랜드이기에, 일반적인 프로세스를 따르지 않고 자유롭게 진행했다. 생활용품 브랜드가 가져야 하는 ‘상냥함’과 작게 시작하는 브랜드의 운영을 위한 ‘경제성’을 고민하며 초기 디자인을 과감하게 변경하기도 했다. 그간 다양한 브랜드 디자인을 진행했지만, 브랜드를 만들고 운영하는 주체로서 디자인을 바라보는 것은 매우 색다르고 유익한 경험이었다.

클라이언트가 처음에 요구한 사항은 무엇이었는가?
클라이언트 제안이 아닌 자체적인 기획이기에, 처음에는 우리도 우리가 무엇을 요구하는지 정확히 알지 못했다. 여러 가지 콘셉트를 시뮬레이션해 보며 우리의 제품에 맞는 방향을 찾아 나갔다.

출시 이후 반응은 어땠는가?
제품을 압도하는 큰 목소리를 내지 않으면서도 나름의 정체성을 담고 있는 점이 만족스럽다고 자평하고 있다.

studiofnt.com

Butter! Better! by Yeongkeun Jeong

Yeongkeun Jeong
Name of Product / Design: Butter! Better!
Client: n/a
Lauched date: August 2011
Time Spent on Realization: 6 months

Please introduce yourself.
I am an industrial designer born and raised in Korea but currently, based in San Francisco. I am working in the fields of electronics, packaging, stationary design as well as artistic production and installation. My work is analytical and based on research, striving to solve problems people experience daily, while emphasizing a clean and refined look and my design philosophy delivers a message of simplicity which allows the consumer to use the product intuitively.

How did you come up with the initial idea for the design, what was your philosophy and reason behind it?
The idea for Butter! Better! came to me when I went on a picnic with friends. It was a really lovely day and we were sharing food, drinks and each other’s company when I realized that I had forgotten to pack a knife to spread the butter. Although eventually I able to see the funny side of trying to spread butter with a floppy foil lid, I realized that this could be simply remedied with a small change to the lid of the packet. One product that combined both butter and knife would be functional and appealing.

Please tell us about the process from original concept and final outcome. Has the design changed?
I have spent much time designing a suitable shape and selecting appropriate material. First, I needed to think about the ideal shape which could satisfy both a knife and a butter container since these two needed to be combined. I had to consider the knife tip which needed to reach the corner of the butter container. Additionally, I had to think about the angle and direction of the knife blade so that it is natural to use the inside of the knife for spreading after scooping. There is a preference for right-handed people as this is the majority. I decided the final shape of the knife after experimenting with eleven differently shaped prototypes. There were two key materials available, plastic and wood. I asked some students in Material Engineering Science, At Yonsei University, practical questions like maleficence, sustainability and the cost of the materials. I also questioned 150 people about their feelings and emotions towards plastic and wood. Based on this information I opted for wooden material for the knife.

Have you contacted a client to realize the product? Do you have plans of commercializing it?
I didn’t really think about the production of this when I started to make it, but I’ve received lots of email for production from manufacturing companies. I was actually pretty much happy enough to get attention from so many people, because it means that Butter! Better! has lots of possibilities to be developed into a real product and appear in the world. I’ve been talking to one company recently, that seems really interestes in this butter package and they pretty much respect my original concept, trying to make it real, so one day you’ll see this product on the market.

소개 부탁한다.
한국에서 나고 자라 지금은 샌프란시스코에서 활동 중인 산업 디자이너이다. 전자 제품, 패키징, 문구 디자인 분야에서 일하는 동시에 예술, 설치 작업도 한다. 나의 연구를 바탕으로 하는 분석적인 성향이 강하다. 사람들이 일상에서 경험하는 문제들을 해결하는 동시에 깔끔하고 세련된 외관을 강조하려고 노력한다. 소비자들이 제품을 직관적으로 사용할 수 있는 단순함의 가치를 담아내는 것, 그것이 디자인 철학이다.

초기 아이디어는 어떤 과정에서 나왔나? 이 디자인의 철학이나 근거는 무엇이었는가?
‘Butter! Better!’의 아이디어는 친구들과 소풍을 갔을 때 처음 떠올렸다. 정말 화창한 날이었고, 우리는 준비해 온 음식과 음료를 함께 먹으며 즐거운 시간을 보냈다. 그러던 중 내가 버터를 바를 나이프를 잊고 가져오지 않았다는 걸 알게 되었고, 하는 수 없이 포일 덮개로 겨우 버터를 발라 먹는 재미난 경험을 하게 되었다. 그때, 버터 팩의 덮개를 조금만 바꾸면 문제를 간단히 해결할 수 있겠다고 생각했다. 버터와 나이프를 하나로 결합한 상품이라면 기능적이면서도 매력적일 듯했다.

초기 콘셉트에서 최종 결과물에 이른 과정에 대한 설명 부탁한다. 디자인이 어떻게 바뀌었는가?
적당한 형태를 디자인하고 알맞은 재료를 선택하는 데 많은 시간이 들었다. 첫째, 하나로 결합해야 하는 나이프와 버터 용기 모두가 안정적으로 들어가는 이상적인 형태를 고민해야 했다. 또한 버터 용기의 구석까지 닿을 수 있는 나이프를 고안해야 했다. 이에 더해, 나이프의 면으로 버터를 떠서 바르기에 알맞은 칼날의 각도와 방향을 찾아내야 했다. 이런 건 다수인 오른손잡이에 맞추게 된다. 나는 프로토타입 11 가지를 실험한 후 나이프의 최종 형태를 결정했다. 재료는 크게 두 가지 선택지가 있었다. 플라스틱과 나무였다. 이를 위해 연세대학교의 재료공학과 학생 몇몇에게 재료의 유해성 여부, 내구성, 비용 같은 실제적인 문제들에 대해 의견을 구했다. 또한, 150인을 대상으로 플라스틱과 나무에 대해 가지는 느낌과 감정에 대해 질문했다. 이렇게 얻은 정보를 바탕으로 결국 나무를 선택했다.

이 상품을 현실화하기 위해 클라이언트를 만난 적이 있는가? 상품화할 계획이 있는지?
처음 만들기 시작했을 때는 대량 생산에 대한 생각이 전혀 없었다. 그런데 많은 제조사에서 상품화하고 싶다는 이메일을 보내왔다. 그 많은 사람들이 관심을 보이다니 무척 기뻤다. Butter! Better! 가 실제 상품으로 개발되어 세상에 등장하게 될 가능성이 크다는 의미이기 때문이다. 최근 한 회사와 이야기를 나누고 있다. 내가 만든 버터 패키지에 엄청난 관심을 보이고 나의 최초의 콘셉트를 최대한 존중하는 곳이다. 언젠가 당신이 시장에서 이 상품을 발견할 날이 오도록 노력하고 있다.

yeongkeun.com

Things that are ‘hot’ and ‘hip’ are only momentary. Music charts change every week, and jokes that were funny last month have lost their effect quickly. New things are soon replaced by newer things and forgotten momentarily. It has become hard to find ‘steady’ things in this instant world. Perhaps that’s why you feel that wonderful energy at a place that has stood its ground for a long time. In Korea’s art scene, Alternative Space Loop is a treasured place like that. Situated in Hongdae area, it first opened its doors in 1999. Countless exhibitions have been held and countless artists have walked through its doors. Fifteen years have passed and it’s lively as ever, thanks to Jinsuk Suh, the gallery director who remains in constant communication with art. We’ve met him at the show Dream Society that he organized and talked to him about the secret of being a continuity.

Editor. Dani Daeun Kim
Images Courtesy. Alternative Space Loop

Installation view, Sangjin Kim, Phantom Sign

Sangjin Kim, Phantom Sign

새것이 ‘핫’하고 ‘힙’한 것은 그 순간뿐이다. 시간이 조금만 흘러도 음원 차트는 뒤바뀌고 지난달의 개그는 이달에 통하지 않는다. 새것은 다른 새것으로 재빨리 교체되고 잊혀짐은 순식간이다. 오늘날의 인스턴트 세상에서 ‘꾸준함’은 쉽게 눈에 띄지 않는 덕목이 되었다. 그래서다. 시간이 흘러도 묵묵히 자리를 지키고 있는 것들에는 경이로움마저 느껴진다. 한국 예술계의 보배와도 같은 대안공간루프가 그러하다. 홍대에 위치한 이곳은 1999년부터 셀 수 없이 많은 전시를 열어 왔고 수많은 예술가가 이곳을 거쳐 갔다. 15년이 지난 지금도 대안공간루프의 진화는 늘 현재 진행형이다. ‘꾸준함’을 품고 끊임없이 예술과 소통하는 디렉터 서진석이 있기에 가능한 일이다. 대안공간루프가 기획한 <드림 소사이어티> 전시장에서 그를 직접 만나 꾸준함의 비결을 들어 보았다.

Uram Choi, UrC-1, Dream Society, Seoul Museum, 2014

Installation View, Chaewon Kim, Virtual Windows 2014

galleryloop.com

Handmade Artist: VITT(Dogun Park, Woolim Lee)
Director of Photography and Editied by Sangeun Kim
Directed by Jihye Kang
Art Direction by GUTE FORM
Executive Producer. Woochi Jeon
Music. Silent Partner “Summer Smile”
In Association with VITT
Produced by FashionN x Eloquence

First opened in Spring 2014 in Koreatown, Los Angeles, the Line Hotel is a new venture by the Sydell Group, developer and manager of lifestyle hotels in collaboration with LA’s most inspiring creatives. Like every hotel launched by the company including the Ace New York, the Ace Palm Springs, the NoMad Hotel in New York and the Freehand in Miami, the Line Hotel was built on the idea of sharing, collaborating and encouraging the creative process to create a unique hotel deeply rooted in its location and architecture. Sitting alongside Koreatown’s famous pre-1940 brick colonial revival buildings, the Line Hotel draws its inspiration from the distinct Korean culture of its surrounding neighborhood – a neighborhood that’s working and playing 24 hours a day.

Editors: Sophie Haeri Park, Woonbi Jung
Images courtesy: The Line Hotel & Sydell Group
Photo by Adrian Gaut & Art Gray

2014년 봄 LA 코리아타운에 개장한 더 라인 호텔은 라이프스타일 호텔의 개발자이자 매니저인 시델 그룹(Sydell Group)이 LA의 가장 의욕적인 크리에이터들과 협업하여 완성한 프로젝트다. 시델 그룹이 재탄생시킨 다른 호텔(에이스 뉴욕, 에이스 팜 스프링스, 뉴욕 노마드 호텔, 마이애미의 프리핸드 호텔 등)과 마찬가지로, 라인 호텔은 지역적 특성과 건축물의 아름다움에 바탕을 둔 개성적인 호텔로 거듭나기 위해 크리에이터들의 창조적 마인드와 과정을 존중하고, 서로 아이디어를 공유하며 협업했다. 1940년 이전 식민지 부흥 양식의 벽돌식 건물들과 나란히 서 있는 더 라인 호텔은 24시간 잠들지 않는 코리아타운의 역동적인 한국 문화에서 무한한 영감을 얻는다.

The Line Hotel’s collaboratorsㅣ더 라인 호텔에 함께한 협업자들

Roy Choi
Chef Roy Choi – born in Seoul, Korea and raised in Los Angeles, California – helms the hotel’s restaurant offers. He creates Koreatown and Korean food through the eyes of an American with Korean blood.

주방장 로이 최는 서울에서 태어나 LA에서 자랐다. 라인의 레스토랑 사업부를 책임지고 있다. 한국인의 피가 흐르는 그는 미국인의 시선으로 코리아타운과 한국 음식을 새롭게 해석한다.

The Houston Brothers
The Houston Brothers who are behind LA’s La Descarga, Harvard and Stone, and no Vacancy bring their definitive cocktails and their knack for creating atmospheric,nostalgic spaces – to the hotel’s discreetly tucked away, mid-century lounge bar.

LA의 핫한 공간인 라 데스카르가(La Descarga), 하버드 앤 스톤 (Harvard and Stone), 노 베이컨시(No Vacancy) 등에서 독특한 밤 문화를 디자인한다. 라인의 한적한 공간에 마련된 모더니즘 스타일의 라운지 바에 앉아 최고의 칵테일을 마시다 보면, 향수 어린 분위기의 공간을 기획하는 그들의 천부적인 감각을 확인할 수 있다.

Sean Knibb
Founder Sean Knibb is responsible for the design of the Line. Knibb uses natural materials, organic forms and open spaces to
create indoor and outdoor environments that blend insight, function and intimacy.

더 라인 호텔의 디자인을 책임지는 닙은 자연적 소재, 유기적 형태와 열린 공간을 사용하여 통찰력, 기능적 측면, 친밀한 공간이라는 요소들이 한데 어우러진 호텔 안팎의 환경을 창조한다.

Poketo
Poketo was founded by husband and wife team Ted Vadakan and Angie Myung. Since 2003, Poketo has grown from an upstart creative
enterprise known for their limited edition vinyl artist wallets to a leading lifestyle brand that
retains its indie vibe.

포케토는 테드 바다칸 (Ted Vadakan)과 앤지 명(Angie Myung) 부부가 설립한 셀렉트숍이다. 2003년 이래, 이들 작가가 제작한 한정판 비닐 지갑으로 유명세를 얻은 신생 기업에서 이들만의 독립적인 디자인을 내건 선도적인 라이프스타일 브랜드로 성장했다.

thelinehotel.com

카메라숍 및 포토북서점, 갤러리, 아티스트 프로젝트, 카페가 공존하는

새로운 형태의 ‘포토그라피멀티스페이스’ 시티카메라가 런칭합니다.

주소: 서울시 용산구 우사단로 10마길 4

이용시간:

주중pm1:00~ 11:00

주말pm1:00~am12:00

담당자 문의: 010.5384.6286 / CITYCAMERA.seoul@gmail.com

facebook www.facebook.com/citycamera.seoul/

instagram @citycamera.official

COMMONGROUND SELECTSHOP TEASER - ART VERSION
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NIGHT TEMPO X MMM RECORDS
LIVE PERFORMANCE
11 MAY, 2018
7PM –

프로듀서이자 뮤지션 나이트템포의 카세트테이프 전시가 5월 11일부터 30일까지 음레코드에서 열립니다.

그가 셀렉팅한 150장의 민트급 테이프 콜렉션과 믹스셋을 음레코드 공간 곳곳에서 보고 들을 수 있는 감각적 전시입니다.

11일, 이번주 금요일 오프닝에 맞춰 나잇템포의 라이브퍼포먼스도 진행됩니다.

OPENING AD | HYUNDAI DEPARTMENT STORE – PANGYO

현대백화점 판교점 8월 오픈을 맞이하여 TV, 케이블, 극장용 CF를 기획 및 제작하였다. 뉴욕, 코펜하겐, 홍콩 세도시의 라이프스타일을 품은 현대백화점 판교점 특색을 드러내는 특색있는 영상을 엘로퀀스에서 제작하였다.

bbB PROJECT

180 young filmmakers from Korea, Thailand, France and Iceland participated in the bbB Project, a film project by Eloquence and the online platform 29cm. Eloquence picked Korean film director Kimbo Kim to select a team and visit each participating country’s directors and realize short films. The result are four stunning works, three of which were presented in the Short Film Corner at the Cannes Film Festival 2013.

한국, 태국, 프랑스, 아이슬란드의 젊은 영화인 180명이 참여한 bbB 프로젝트는 온라인 플랫폼 29cm와 엘로퀀스의 ‘영화 프로젝트’다. 엘로퀀스가 선택한 한국 감독 킴보 킴(Kimbo Kim)과 한국 영화팀은 태국, 프랑스, 아이슬란드를 직접 방문하여 각 도시의 감독들과 현지에 단편 영화를 만들었다. 총 4편의 영화로 제작된 이 프로젝트는 각 도시 출신의 감독들 고유의 감성과 이야기로 채워져 있으며, 4편 중 3편이 2013 칸 영화제 쇼트 필름 코너(Short Film Corner)에서 상영했다.

Project Director. Kimbo Kim
Film Directed by. Jean-Christophe Cader (France), Thor Kristjansson (Iceland), Giovanni Fumu (Thailand), Seungkyun Hong (Korea)

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